Inicio ¦ Editorial ¦ Cine Japonés ¦ Cine Asiático ¦ Noticias ¦ News ¦ Cronología ¦ Festivales ¦ Artículos ¦ Glosario ¦ Enlaces

Cine Japonés Contemporáneo

HANA-BI (Takeshi Kitano)

Muchos críticos de cine consideran 1997 como el año del renacimiento del cine japonés. No en vano, en ese año HANA-BI de Takeshi Kitano conseguía el León de Oro en el festival de Venecia, Shohei Imamura lograba la Palma de Oro en Cannes con UNAGI (La anguila) y Naomi Kawase se convertía en la directora más joven en ser premiada con la Cámara de Oro en Cannes por su largometraje SUZAKU. Por otro lado, SHALL WE DANCE? de Masayuki Suo (SUMO DO, SUMO DON'T) pasaría a ser la película japonesa de más éxito en los Estados Unidos y MONONOKE HIME (La Princesa Mononoke) de Hayao Miyazaki batía el récord de la taquilla japonesa que había poseído ET, el Extraterrestre desde 1982.

No obstante, otros muchos críticos, entre ellos Mark Schilling, todavía consideran que el cine japonés no ha salido de la crisis que dio comienzo a principios de los años setenta. Para ello, comparan las figuras de la llamada época dorada de los cincuenta y principios de los sesenta con las actuales. En 1960, por ejemplo, se estrenaron 547 películas y se alcanzó una cifra récord de 1 billón de espectadores, mientras que en 1997 sólo se producieron 278 largometrajes y la cifra de espectadores se quedó en casi 141 millones. El número de salas cinematográficas también se ha usado como dato ilustrativo del declive del cine japonés. En 1960, había en funcionamiento 7.457 salas comparadas con las 1.884 de 1997. La crisis del cine japonés también se ve reflejada en la producción de películas realizadas por las principales compañías productoras. En 1960 entre Toho, Shochiku, Toei, Daiei y Nikkatsu se realizaron 545 filmes. Sin embargo, a partir de ese año su producción fue disminuyendo drásticamente. De esta manera, en 1970 los estudios realizaron 367 largometrajes, en 1987 135 de un total de 286, en 1997 78 de un total de 278 y en 2000 sólo 57 filmes fueron producidos por los 3 estudios que han sobrevivido hasta la fecha (Toho, Shochiku y Toei) de un total de 282 (si bien es verdad que un gran número de ellas son de hecho películas para adultos).

Con respecto a esta supuesta crisis del cine nipón, lo más significativo quizá sea que los más pesimistas de estos críticos parece que son incapaces de ver más allá de Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi o Yasujiro Ozu y da la impresión de que muchos de ellos no han llegado a aceptar la muerte de estos maestros. Y parecen olvidar que, otros directores, a quienes también se les podría denominar como maestros, todavía continúan en activo, si bien el resultado artístico de sus trabajos más recientes no se podría comparar al alcanzado durante el periodo de la nueva ola japonesa o Nuberu Bagu (Nouvelle Vague) iniciada por Nagisa Oshima a finales de los cincuenta.

AKAI HASHI NO SHITA NO NURUI MIZU (Shohei Imamura)

Oshima, quien después de 13 años sin dirigir un largometraje debido a un derrame cerebral, su último había sido MAX MON AMOUR (1986), se ponía, una vez más, detrás de la cámara para dirigir su primer jidai-geki, GOHATTO (1999), el cual tuvo resultados desiguales. Mucho mejor recibida fue UNAGI (La Anguila, 1997), del otro gran maestro de la nueva ola japonesa, Shohei Imamura, cuyo anterior largometraje había sido KUROI AME (Lluvia Negra, 1989). Una año más tarde, Imamura realizaba KANZO SENSEI (Doctor Akagi) y hace dos años finalizaba AKAI HASHI NO SHITA NO NURUI MIZU (Agua Tibia Bajo un Puente Rojo, 2001) que aunque son obras interesantes les faltan la energía y originalidad de sus mejores trabajos de los sesenta. Kiju Yoshida, más conocido como Yoshishige Yoshida, otro de los miembros de la nueva ola, presentaba en el festival de Cannes del año pasado KAGAMI NO ONNATACHI (Mujer en el espejo).Otro de estos miembros, Masahiro Shinoda, acaba de estrenar una nueva película que lleva el título de SPY SORGE, sobre la vida de un espía comunista alemán en el Japón de la segunda guerra mundial. Shinoda ha declarado que SPY SORGE será su último largometraje como realizador.

A sus 87 y 91 años respectivamente, lo que los sitúa en la misma generación que Akira Kurosawa, Kon Ichikawa y Kaneto Shindo deben de ser de los directores más viejos (junto con el portugués Manoel de Oliveira) todavía en activo. A lo largo de toda su carrera, Ichikawa ha logrado mantener una constante producción de trabajos cinematográficos, si bien de desigual calidad artística. Sus últimos dos filmes DORA HEITA (2000) y KAH-CHAN (2001) se han basado en guiones escritos hace más de treinta años. La historia de DORA HEITA fue concebida en 1969 por Ichikawa, Akira Kurosawa, Masaki Kobayashi y Keisuke Kinoshita cuando estos cuatros directores formaron su propia productora Yonki-No-Kai (los cuatro jinetes). La primera y única película de esta compañía fue DODESUKADEN (1970), primer largometraje en color de Kurosawa. Por otro lado, KAH-CHAN está basado en un guión de su difunta esposa y colaboradora Natto Wada escrito hace 47 años. Con motivo de la presentación de KAH-CHAN en el festival de Montreal del 2001, el jurado le otorgó a Ichikawa un premio extraordinario por el conjunto de su obra. FUKURO (La Lechuza, 2003) es el último largometraje hasta el momento del nonagenario director Kaneto Shindo. FUKURO recibió una distinción especial y su protagonista, Shinobu Otake, ganó el premio a la mejor actriz en el festival internacional de cine de Moscú de este año.

De todas maneras, y aunque esto no sirva de mucho consuelo para los detractores del cine japonés, si comparamos las cifras recientes del este cine con las de otros países nos daremos de cuenta de que Japón todavía se encuentra afincada en el puesto 3 del ranking mundial en cuanto a producción anual de películas se refiere, sólo por detrás de los Estados Unidos e India. Como dato ilustrativo, sírvase el hecho de que en el año 1993 el cine japonés tan sólo acaparó el 35.8% de la recaudación total, representando su índice más bajo hasta ese momento, pero que sin embargo superaba con creces el obtenido por otros países como Gran Bretaña (8%), Alemania ( 7% ) e incluso Francia (33%) en ese mismo año. Como ya hemos anotado anteriormente, el número de producciones independientes ha sobrepasado enormemente al de los tres estudios principales. En los últimos años éstos se han dedicado, casi exclusivamente, a seguir produciendo, una y otra vez, las series que les han sido tan populares durante años y que les están salvando de la bancarrota. Esta tendencia es una prueba muy clara de la falta de ideas y dinamismo por parte de los estudios. Aunque, la producción de películas ha caído en picado, su situación financiera se ha mantenido boyante gracias al control que los estudios ejercen sobre los medios de distribución ya que poseen la mayoría de las salas de cine. Sin embargo, con la reciente apertura de numerosas multisalas de cine, su dominio sobre la distribución se ha visto disminuido, lo que ha agudizado aun más el ambiente de crisis económica que rodea a los estudios y al cine japonés en general.

Toho por ejemplo, entre 1991 y 1995, después de los éxitos de una nueva versión de GODZILLA, estrenada en 1984, y su continuación GODZILLA VS BIOLLANTE en 1989, sacó cada año una nueva entrega del famoso monstruo, todas ellas consiguiendo unos resultados considerables en la taquilla local. De esta manera, GODZILLA VS MOTHRA (1992) y GODZILLA VS DESTROYAH (1995), encabezaron la taquilla de sus respectivos años. A pesar del éxito de esta última, Toho anunciaba en 1995 que terminaba la producción de la series de Godzilla. Sin embargo, en diciembre de 1998 se anunciaban los planes para realizar una nueva versión para ser estrenada en las navidades del año siguiente. Esta película llevaría el título, tan oportuno, de GODZILLA MILLENNIUM. Uno de los motivos de su realización fue la pobre acogida del remake americano por parte del público japonés. A esta nueva entrega, se le han añadido hasta el momento otras cuatro más: GODZILLA VS MEGAGUIRUS (2000), GODZILLA, MOTHRA, KING GHIDORAH: DAIKAIJU SOGOUGEKI (2001), GODZILLA VS MECHAGODZILLA (2002) y GODZILLA, MOTHRA, MECHAGODZILLA: TOKYO S.O.S. (2003). Otra franquicia que le ha dado muy buenos resultados a Toho ha sido las series animadas de POKEMON, la cuales ya van por su quinta entrega, o DORAEMON, 24 hasta el momento, aunque Toho ya tiene preparada su vigésimoquinta entrega que será estrenada en marzo del 2004, con motivo del 25 aniversario del comienzo de las series.

Tora-san (Kiyoshi Atsumi)

Shochiku conseguía mantener el tipo gracias a la enorme popularidad de las series de Tora-san (Otokowa Tsurai yo, Es duro ser un hombre). Éstas llegaron a su fin en 1996 tras la muerte de Kiyoshi Atsumi, el carismático actor que había interpretado el personaje de Tora-san en 49 ocasiones desde el comienzo de las series en 1969, lo que las convierte en las series cinematográficas de más antigüedad en la historia del cine mundial. Excepto por dos, todas las entregas fueron dirigidas por Yoji Yamada, uno de los directores de más éxito en la historia del cine japonés. Yamada ya ha completado su filme número 77 (THE TWILIGHT SAMURAI), en una carrera como director que comenzó hace 41 años. Antes de la muerte del actor, Shochiku prudentemente empezaba una nueva franquicia que posteriormente pasaría a convertirse en el reemplazo ideal de las series de Tora-san. Estas nuevas series comenzaron su andadura en 1989 con el título de TSURI BAKA NISSHI (Diario de un pescador alocado) sobre un salariman, interpretado por Toshiyuki Nishida, que prefiere la pesca al trabajo. Yoji Yamada ha colaborado en el guión de todas, mientras que Tomio Kurayama ha dirigido gran parte de ellas (de la 2 a la 10). Su decimocuarta entrega, estrenada recientemente, se ha colocado, en su primera semana de estreno, entre las diez primeras de la taquilla japonesa. El propio Yoji Yamada también lanzaba su propia serie que lleva el título de GAKKO, la cual ya va por su cuarta parte, sobre unos estudiantes adultos tratando de sacar el bachiller en un escuela nocturna.

La situación de Toei ha sido más desesperada ya que, a partir de los años 70, se había quedado sin ningún tipo de series. En los 60, Toei había dominado la taquilla local con sus innumerables películas de yakuzas, la mayoría de ellas protagonizadas por Koji Tsuruta, Ken Takakura y Junko Fuji. La aparición del video a principios de los ochenta provocó la pérdida del monopolio de Toei en la producción de estos largometrajes. De esta manera, Toei decidió que lo mejor sería unirse a su enemigo y, en 1989, el estudio lanzaba la sección Toei Video, encargada de producir películas para el mercado del vídeo, que pasaría a denominarse V-cinema. Uno de los beneficiarios más famosos de este sistema de producción ha sido el productivo Takashi Miike, cuya carrera como director, después de asistir a Shohei Imamura en la dirección de dos películas, comenzó en el V-cinema. Takashi no ha olvidado sus raíces ya que una de sus últimas producciones, GOZU, estaba destinada al mercado del V-cinema. Este cambio de estrategia en la producción de películas tuvo tanto éxito que, a finales de los 90, Toei Video conseguía estrenar hasta dos títulos cada mes. Otros estudios como Nikkatsu y Shochiku se subieron al tren abriendo su propias secciones de OV el Janglish por Original Video. Sin embargo, los resultados de los estrenos de cine por parte de Toei no hacían más que empeorar. De hecho, Toei produjo los fracasos más sonados de la década de los noventa como por ejemplo EDOJO TAIRAN de Toshio Masuda en 1991 o RAKUYO de Akira Tomono (1992), aun cuando esta última contaba con la presencia de los actores norteamericanos Donald Sutherland y Diane Lane. Una vez más, los filmes animados han sido los que mejores resultados le han dado a Toei, la cual, a través de su sección Toei Anime Fair Films, mantenía el tipo en la taquilla con las series DRAGONBALL, SAILOR MOON y SHINSEIKI EVANGELION (Neon Genesis Evangelion).

BATTLE ROYALE (Kinji Fukasaku)

Más recientemente, un viejo colaborador del estudio le dio una de las mayores alegrías de los últimos años. BATTLE ROYALE, del fallecido Kinji Fukasaku, quien había realizado la mayoría de sus películas trabajando para Toei, conseguía un éxito sonado en la taquilla local y extranjera. BATTLE ROYALE también recibió una publicidad extra en los medios de comunicación locales por su representación de una violencia extrema entre adolescentes y por el intento, por parte de algunos miembros del parlamento japonés, de tratar de prohibir su exhibición en las salas de cine del país. La audiencia de BATTLE ROYALE consistía principalmente de miembros del público juvenil, quienes raramente acuden a las salas de cine para ver una película japonesa.

Aunque, Toei ha sido descrita por muchos como la más conservadora y reaccionaria de las tres productoras, le ha dado a Miike carta blanca para poner en imágenes cualquier locura que se le pase por la cabeza. No es de extrañar, ya que Toei se ha beneficiado enormemente de la popularidad, sobre todo en el extranjero, de uno de los fenómenos del cine japonés actual. Curiosamente, Takashi ha continuado con la realización de las películas que más éxito le han dado a Toei: los yakuza-eiga. Takashi ha revolucionado el cine de yakuzas de la misma manera en la que Kinji Fukasaku lo había hecho a principio de los años setenta.

Esto con referencia a los tres estudios japoneses, ya que el peso del llamado renacimiento del cine japonés ha recaído los hombres de producciones independientes. Por supuesto, en este apartado hay que destacar los ya míticos Estudios Ghibli creados por Isao Takahata y Hayao Miyazaki. Si Titanic batió a los pocos meses el récord obtenido por MONONOKE HIME (La Princesa Mononoke), Miyazaki volvía a la carga con SEN TO CHIHIRO NO KAMIKAKUSHI (El viaje de Chihiro), la cual, todavía es la película más taquillera de todos los tiempos en Japón. Otro nombre a destacar es el del fallecido Juzo Itami. Sobre todo sus series acerca de la lucha de una mujer, siempre interpretada por su esposa Nobuko Miyama, en diferentes situaciones, como por ejemplo, la evasión de impuestos (MARUSA NO ONNA, 1987), los yakuza (MIMBO NO ONNA, 1992) o la gestión de un supermercado (SUPA NO ONNA, 1996). Con estos filmes, Itami consiguió que el público japonés se interesara, una vez más, por el cine autóctono, acudiendo en masa a la salas de cine del país. Sus continuas apariciones en tertulias de televisión y su habilidad para auto promocionarse, también contribuyeron al éxito de estos trabajos.

ALL ABOUT LILY CHOU CHOU (Shunji Iwai)

Otro director independiente que ha acaparado cierto éxito con la audiencia japonesa ha sido Shunji Iwai. Su primer largometraje LOVE LETTER, sobre una joven que envía una carta a su novio, recientemente fallecido, y recibe una respuesta, se convirtió en el éxito más inesperado de 1995. Su estilo visual, reflejando elementos del video musical del estilo de la MTV, con un montaje ultra rápido y discontinuo, estaba muy en tono con los gustos del público juvenil. Su temática romántica propia del drama de televisión también contribuyó enormemente a atraer a un público moderno, joven y femenino. Menos éxito han tenido sus proyectos posteriores como SWALLOWTAIL y APRIL STORY. Con su último trabajo, ALL ABOUT LILY CHOU-CHOU, Iwai ha vuelto a conectar de nuevo con esta juventud japonesa que lo había impulsado hasta lo más alto del panorama del cine japonés.

Pero si hubiera que destacar a alguien que haya contribuido al reciente éxito del cine independiente japonés ese sería el productor Takenori Sento. En 1990, Sento empezó a trabajar de programador para Wowow, primer canal satélite de pago japonés, y más tarde, en 1992, se convirtió en productor bajo el sello J-Movie Wars, subsidiario de Wowow. J- Movie Wars comenzaron a emitirse en diciembre de 1992 hasta junio del año siguiente. Esta serie consistía de cortos dirigidos por diversos directores como Sogo Ishii, Shunichi Nagasaki o Yoichi Sai y estaban supervisados por el propio Sogo Ishii. Esta iniciativa ofrecía total libertad a estos directores para realizar cualquier tipo de proyectos dentro del formato del corto. Algunos de estos cortos pasarían a convertirse en largometrajes, como el caso de ALL UNDER THE MOON del mencionado Yoichi Sai (quien había asistido en la dirección a Nagisa Oshima durante el rodaje de AI NO CORRIDA (El Imperio de los Sentidos, 1976), la cual obtuvo un gran éxito de público y crítica. Sento seguiría utilizando el sello J-Movie Wars para continuar produciendo más largometrajes. En los nueve años que duró el proyecto, Sento produjo 44 películas dirigidas por 32 nuevos directores japoneses.

Este fértil periodo ofrece una larga lista de películas premiadas en festivales extranjeros como por ejemplo THIS WINDOW IS YOURS (Tomoyuki Furumaya, 1994, Dragon & Tiger Young Cinema Award, Festival de Cine de Vancouver), ELEPHANT SONG (Go Riju, 1997 premio NETPAC, Festival de Berlín), 2/DUO (Nobuhiro Suwa, 1997, premio NETPAC, Festival de Rotterdam y premio Fipresci en la Viennale), SUZAKU (Naomi Kawase [quien luego se casaría con el productor], 1997, Camera d'Or, Cannes). Durante esta etapa creativa, Sento también contribuyó en la carrera creativa de tales directores como Sogo Ishii (TOKYO BLOOD, 1993) y ANGEL DUST (1994), Hideyuki Hirayama (YOIKO TO ASOBOU, 1994), Shinji Aoyama (HELPLESS, 1996) o Hideo Nakata con su GHOST ACTRESS (1996), lo que le dio la oportunidad para dirigir RING posteriormente.

Takenori Sento

Con la ayuda financiera, una vez más, de Wowow, Sento lanzó la compañía Suncent Cinema Works el seis de noviembre de 1998. Esta nueva compañía supuso un pequeño impulso para la enfermiza industria cinematográfica japonesa reflejada en la actitud conservadora de los principales estudios, sólo interesados en reciclar viejas fórmulas. Contradiciendo las preferencias de los estudios, en cuanto a público se refiere, sólo interesados en satisfacer al mercado local, Suncent Cinema Works se esforzó en promocionar sus proyectos en el extranjero. Primero, presentándolos en festivales y luego intentando vender su distribución en diversos países occidentales. Si los resultados obtenidos eran positivos, Suncent comenzaría la exhibición de estas películas en cines japoneses.

La existencia de Suncent Cinema Works ha sido efímera. La compañía de Sento quebró hace un par de años. No sólo eso, sino que su matrimonio con la directora Naomi Kawase ha terminado en divorcio. El futuro de muchas de las películas producidas justo antes de la quiebra de la compañía es incierto. Títulos como HOTARU (2000) de Naomi Kawase, DESERT MOON (2001) de Shinji Aoyama o H-STORY (2001) de Nobuhiro Suwa, no han cosechado el éxito esperado en festivales de cine como ocurriera con sus trabajos precedentes. Las dos últimas películas, por ejemplo, sólo han recibido su estreno en Tokio hace un par de meses.

Sin embargo, el legado dejado por Suncent Cinema Works es más que interesante y se ha convertido en una pequeña muestra del enorme talento de algunas figuras del cine independiente japonés. Algunos ejemplos son TIMELESS MELODY (Hiroshi Okuhara, 1999, Grand Prix del festival de cine de Pusan, Corea del Sur), M/OTHER (Nobuhiro Suwa, 1999 FIPRESCI en Cannes), EUREKA (Shinji Aoyama, 2000, premio FIPRESCI y premio ecuménico del jurado en Cannes), BAD COMPANY (Tomoyuki Furumaya, premio FIPRESCI, Rotterdam), UNLOVED (Manda Kunitoshi, ganador del premio del jurado para el director nuevo más prometedor en el festival de Cannes del 2001) entre otros. Sento también ayudó a financiar el largometraje japonés más influyente de los últimos 20 años: RINGU (y también RASEN), el cual ha suscitado un renovado interés por el cine de terror. De la misma forma, Sento también ha apoyado incondicionalmente al director de películas cyberpunk, Sogo Ishii, a quien sacó de un letargo de diez años cuando financió la producción de ANGEL DUST en 1994. Su último trabajo, GOJOE (2000) fue el proyecto más ambicioso de Suncent pero también supuso uno sus fracasos más sonados y el cual, posiblemente, contribuyó a la quiebra de la compañía.

Sento es, sin ninguna duda, el productor japonés que más ha hecho por el cine independiente de su país. Sin embargo, no ha sido el único. La lista de nombres de realizadores independientes que han ayudado a crear este llamado renacimiento del cine japonés actual son muchos pero habría que destacar 3 figuras.

SEN TO CHIHIRO KAMIKAKUSHI (Hayao Miyazaki)

La primera es la del director/productor de animación Hayao Miyazaki. Durante muchos años Miyazaki ha sido, y sigue siendo, uno de los artistas más respetados, admirados y de más éxito comercial en la historia del cine japonés. Prueba de ello son sus últimos dos trabajos, La Princesa Mononoke y El Viaje de Chihiro. Esta última supuso el reconocimiento y la aceptación, con un poco de retraso, mundial del extenso trabajo de Miyazaki en el cine de animación. En marzo de este año recibía el oscar a la mejor película de animación. En diciembre del año pasado, el realizador obtenía 3 diferentes premios sólo en los Estados Unidos. El 16 de ese mes, el círculo de críticos de cine de Nueva York (New York Film Critics Circle) le otorgaba el premio a la mejor animación del año y, dos días antes, la asociación de críticos de cine de Los Angeles (Los Angeles Film Critics Association) le obsequiaba con el mismo premio.

Por otro lado, el 4 de diciembre, el consejo nacional de crítica de películas de los Estados Unidos (U.S. National Board of Review of Motion Pictures), galardonó El Viaje de Chihiro con el premio a la mejor película de animación del 2002. Pero el momento más dulce llegaba un poco antes cuando, en febrero del 2002, Miyazaki conseguía el galardón más importante de su carrera: el oso de oro a la mejor película en el festival de cine de Berlín. Este galardón es de enorme relevancia ya que no sólo ponía a Miyazaki entre los mejores directores del mundo, sino que El Viaje de Chihiro se convertía en el primer film animado en recibir el premio principal de uno de los tres grandes festivales europeos (Venecia, Cannes y Berlín).

Aunque, para muchos críticos, dada su reticencia a visionar películas animadas, El Viaje de Chihiro pasó a ser su introducción al mundo de Miyazaki, el público español ya había podido saborear con anterioridad algunos ejemplos de su trabajo pre-Ghibli en la forma de HEIDI, MARCO o SHERLOCK HOLMES, donde colaboró en diversas secciones de las dos primeras y dirigió la última. Hayao Miyazaki tiene previsto estrenar una nueva película para el verano del 2004. La producción comenzará el 1 de febrero del 2004. Este nuevo trabajo, que llevará el título en japonés de HAURU NO UGOKU SHIRO, está basado en una novela de la escritora británica Diana Wynne Jones titulada Howl's Moving Castle. La historia transcurre en un mundo de ciencia y brujería, describiendo el romance entre un hechicero, Howl, y una chica de 18 años, Sophie, quien ha sido transformada en una anciana de 90 años en la víspera de una guerra. Miyazaki, quien inicialmente sólo planeaba participar en el proyecto, se ha decidido a dirigirlo oficialmente.

Otro director independiente que merece un pequeño análisis es Kitano Takeshi. Takeshi fue, y hasta cierto punto todavía siendo, la personalidad más importante de la televisión japonesa de la década de los noventa, apareciendo en programas de enorme popularidad como Takeshi The Genius' Happy TV Show o Takeshi Comedy Ultra Quiz. Entre 1990 y 1995 fue elegido por Spy! Magazine como el hombre más admirado de Japón. Kitano Takeshi es todo un fenómeno. Durante una temporada, aparecía hasta en 8 programas semanales distintos. A su trabajo televisivo tenemos que añadir sus colaboraciones en columnas de periódicos y su carrera como novelista, pintor, actor, productor y director. Takeshi primero saltó a la fama por su papel del sargento Hara en MERRY CHRISTMAS MR LAWRENCE (Nagisa Oshima, 1983). Su carrera de realizador comenzó con VIOLENT COP (1989), después de que Kinji Fukasaku resignara de la dirección del proyecto. VIOLENT COP se convirtió en una película de culto entre ciertos sectores del público occidental y Takeshi fue promocionado como el Clint Eastwood (en su papel de Harry el sucio) del Japón. Con BOILENT POINT y en especial SONATINE, Takeshi se hizo con un hueco en el circuito de festivales de cine occidentales. Su gran momento, y el comienzo del renacimiento del cine japonés, llegó con el León de Oro que consiguió en Venecia por HANA-BI. Con estos tres trabajos y BROTHER Takeshi ha revitalizado un género que parecía haber muerto a principios de los ochenta: el yakuza-eiga.

Por otro lado, parece que Takeshi se encuentra, una vez más, tratando de dar otro cambio de imagen a su carrera cinematográfica. De esta manera, sus últimos trabajos se inspiran en el cine y arte japoneses más clásicos. No obstante, incluso en las películas ya mencionadas, Takeshi nos presenta con un estilo que recuerda un poco al cine de Ozu, a quien admira enormemente. Este estilo se caracteriza por el peculiar tempo que Takeshi le imprime a escenas de violencia donde inserta unas pausas inesperadas entre tiroteos y apuñalamientos. Estas pausas se podrían comparar a las realizadas por Ozu, denominadas ma, durante el diálogo de sus personajes. Este interés por el pasado cultural japonés se hace más evidente en DOLLS, en donde mezcla pintura y teatro de marionetas (bunraku), inspirada en una obra para bunraku del Shakespeare japonés, Chikamatsu Monzaemon, y donde ilustra, entre otras temas, el paso de las estaciones, un motivo muy recurrente en poesía y pintura. Sus referencias al cine japonés del pasado se han consolidado con su último trabajo y primer jidai-geki, ZATOICHI, adaptación de las series del mismo título (26 entregas entre 1962 y 1989), protagonizadas por Shintaro Katsu. ZATOICHI recibió el León de plata al mejor director del festival de Venecia de este año.

Shochiku produjo sus primeras películas pero, tras una pelea con Kazuyoshi Okuyama, productor de SONATINE, después de haber visto un avance de la misma, Takeshi decidió montar su propia compañía productora/distribuidora a la que llamó Office Kitano. Ésta también produce trabajos de otros directores que habían colaborado en algunas películas de Takeshi. También es verdad que estas producciones sirvieron para promocionar aún más la figura de Takeshi. Algunos nombres asociados con este último son Tenma Toshihiro (KYOSO TANJO, 1994), basada en un novela del propio Takeshi, Shimizu Hiroshi (IKINAI [1999] y CHICKEN HEART [2002]) o Makoto Shinozaki (JAM SESSION - KIKUJIRO NO NATSU KOSHIKI KAIZOKUBAN [2000], documental sobre el rodaje de KIKUJIRO, y ASAKUSA KID [2002], basada en la autobiografía de Takeshi).

Kitano Takeshi, como es conocido en occidente (en Japón se le conoce como Beat Takeshi o Take-chan y, hasta hace poco, el público japonés lo asociaba más con su faceta de comediante), ha sido uno de los mayores logros del cine japonés de los últimos años en cuanto a nivel artístico. Tras el éxito de HANA-BI, la audiencia española quedó asombrada al descubrir que este mismo director había sido el presentador del programa Humor Amarillo transmitido por TeleCinco a mediados de los noventa. Su siguiente proyecto, BROTHER, no tuvo el mismo éxito de crítica y público. DOLLS fue recibido de forma mixta en occidente, mientras que en Japón se ha convertido en su película más taquillera, a la espera de lo que haga ZATOICHI, la cual entró con mucha fuerza en los primeros puestos de la taquilla local. A Takeshi le ha costado enormemente convencer al público japonés de su carrera como director, todos sus trabajos hasta BROTHER pasaron casi desapercibidos por los cines locales pero, a partir de DOLLS, largometraje en el que curiosamente no aparece, la audiencia local está comenzando a descubrir una nueva faceta del mago de la televisión japonesa moderna.

Tercero y último de los directores independientes aquí analizados es Shinya Tsukamoto. Las películas de Tsukamoto no han conseguido el éxito financiero de Miyazaki o el prestigio internacional de Kitano. Sin embargo, y desde su primer trabajo TETSUO: THE IRON MAN, Tsukamoto se ha convertido en un director de culto en Japón y en el extranjero y se ha hecho con un fiel grupo de seguidores en ambos hemisferios. Como ya hemos comentado con anterioridad, los trabajos de muchos directores independientes, a pesar de sus logros en competiciones internacionales y su seguimiento por parte de una audiencia occidental aficionada a filmes de arte y ensayo, son generalmente ignorados por el público japonés o, mejor dicho, no encuentran el apoyo necesario por parte de las distribuidoras.

SNAKE OF JUNE (Shinya Tsukamoto)

Si bien, muchos japoneses serían incapaces de identificar el nombre del director, sus TETSUO y TETSUO II son de sobra conocidos por un amplio número de jóvenes. Se podría decir que uno de los motivos del origen del culto en Japón de TETSUO y TETSUO II sea por que éstas se inspiran enormemente en el manga. Las obsesiones de Tsukamoto con las mutaciones del cuerpo humano y la fusión entre máquina y hombre son temas muy predominantes en mangas del llamado género cyberpunk. El mismo Tsukamoto ha reconocido la enorme influencia del clásico animé cyberpunk AKIRA (la publicación del cómic empezó en 1982 y la versión animada de éste fue estrenada en 1988) de Katsuhiro Otomo. A Tsukamoto se le podría describir como el más independiente de todos los directores independientes discutidos en este artículo. Con la excepción de HIRUKO- YOKAI HANTAA (Hiruko the Goblin, 1991, producida por Shochiku) y SOSEIJI (Gemini, 1999, producida por Sedic International), Tsukamoto ha producido todas sus películas a través de su propia compañía Kaiju Theater. No sólo eso, Tsukamoto dirige, protagoniza, ilumina y monta todas sus largometrajes. Como en su último trabajo, SNAKE OF JUNE, Tsukamoto toma control completo de su material.

Como he señalado, el público japonés apenas presta atención al trabajo de directores independientes. Aunque, sea casi imposible asegurar las posibilidades de éxito de una película en la taquilla, todavía se pueden distinguir varios factores que ayudarían a éstas a alcanzar los objetivos deseados por los productores. El factor común de muchas de las películas más taquilleras de los últimos años ha sido que sus historias raramente se basan en guiones originales. Los animé tienden a ser las películas japonesas de más éxito en la taquilla local. El ejemplo más obvio es el de Hayao Miyazaki, quien normalmente escribe sus propios guiones, pero generalmente se tratan de largometrajes inspirados en mangas o series de televisión como DORAEMON, POKEMON, DETECTIVE CONAN o CRAYON SHINCHAN, entre otras muchas. Otra buena receta para recaudar un buen dineral en la taquilla es producir películas basadas en series de televisión populares como el caso de BAYSIDE SHAKEDOWN de Katsuyuki Motohiro, cuya segunda parte se ha convertido en la sexta película más taquillera del cine japonés, SKY HIGH de Ryuhei Kitamura, LEAVE IT TO THE NURSES de Kazuyuki Morosawa o TRICK de Yukihiko Tsutsumi.

ONMYOJI (Yojiro Takita)

Por supuesto, filmes no-animé basadas en mangas también ofrecen una garantía de éxito, como ha sido el caso de SATORARE de Katsuyuki Motohiro (manga de Makoto Sato), DRAGON HEAD de Joji Iida, director de RASEN (manga de Minetaro Mochizuki), AZUMI de Ryuhei Kitamura(manga de Yu Koyama), PING PONG de Sori Fumihiko (de un manga de Taiyo Matsumoto) o las series de TSURI BAKA NISSHI del manga de Juzo Yamasaki y Kenichi Kitami. Así como películas basadas en betsellers tales como BATTLE ROYALE de Kinji Fukasaku (basada en un betseller de Koushun Takami), WHITEOUT de Setsuro Wakamatsu (novela de Shimpo Yuichi), ONMYOJI de Yojiro Takita (novela de Baku Yumemakura y cuya secuela ya se ha estrenado en Japón colocándose en el primer puesto de la taquilla), GO de Isao Yukisada (novela de Kaneshiro Kazuki) y, por supuesto, RING de Hideo Nakata, basada en una novela de Koji Suzuki.

Sin embargo, en los últimos años tres películas japonesas han creado una especie de boom en occidente de cine popular japonés. Por supuesto, el cine independiente japonés sigue siendo el preferido para su distribución y exhibición en salas de cine occidentales pero, poco a poco, se ha ido intensificando el número de largometrajes de temática más popular o de género en estas mismas salas e incluso han hecho su aparición en el circuito internacional de festivales de cine (un ejemplo reciente ha sido GOZU de Takashi Miike presentada en el festival de Cannes de este año). Igualmente, es difícil no encontrar alguna representante japonesa o asiática en recientes festivales de cine fantástico o de terror. En definitiva, las tres películas de las que hablaba y que han provocado este interés por el cine japonés menos intelectual han sido RING, BATTLE ROYALE y AUDITION. Las dos primeras habían conseguido un éxito enorme de taquilla en Japón. Curiosamente, RING se convirtió en el film más taquillero del ICA de Londres, una sala de cine más asociada con exhibiciones de arte contemporáneo y proyecciones de películas de arte y ensayo o experimentales. Además, estas tres películas han sido estrenadas en video y DVD en casi todos los países de la Europa occidental.

RING 2 (Hideo Nakata)

En su país de origen, RING ha provocado una auténtica renovación del cine de terror que incluso ha afectado a sus países vecinos como Corea del Sur o Hong-Kong. El impacto que RING ha tenido en el cine japonés contemporáneo has sido impresionante. RING, que comenzó como una serie de televisión (RING: KANZEBAN, 1995), hasta el momento ha inspirado a cuatro películas (RING [1998], RASEN [1998], RING 2 [1999] y RING 0 [2000]), además de una versión surcoreana (RING VIRUS, 1999) y americana (The Ring, 2002) y más series de televisión (RING: SAISHUU-SHOU [1999] o RASEN: THE SERIES [1999]).

En menor medida, otro pequeño ejemplo de la invasión de terror japonés y las secuelas creadas es TOMIE (1999). Tomie, de un manga de Junji Ito (otros dos de sus mangas, UZUMAKI y KAKASHI, también han sido llevados a la pantalla grande) ya tiene cuatro secuelas TOMIE: ANOTHER FACE (1999), TOMIE: REPLAY (2000), TOMIE: REPLAY (2001), y TOMIE: FORBIDDEN FRUIT (2002). Lo dejamos aquí ya que la avalancha de filmes de terror ha sido enorme. Si el tiempo lo permite en el futuro le dedicaré un artículo a este tema tan interesante. Este boom de cine de terror japonés también se ha dejado notar en occidente, a la versión americana de Ring le podemos añadir su secuela, que ya se encuentra en producción, así como el remake de JU-ON y DARK WATER cuyas producciones darán comienzo muy pronto.

Incluso festivales tales como el de Londres, en sus últimas ediciones, han ofrecido largometrajes como ICHI THE KILLER o la trilogía DEAD OR ALIVE y este año ofrecerá BATTLE ROYALE II, ZATOICHI y THE CAT RETURNS, una película animada del estudio Ghibli dirigida por Hiroyuki Morita, una especie de secuela de WHISPERS OF THE HEART. El festival Raindance (24/10-11/11) de Londres de este año ofrece nueve películas japonesas en su programa, así como una retrospectiva de Koji Yamamura, ganador del oscar al mejor corto animado por su MT. HEAD. Y no nos olvidemos del festival de Sitges, el cual ya ha confirmado la presencia de Takashi Miike como invitado de honor, organizará una retrospectiva de cine japonés contemporáneo y contará con filmes como GOZU, ZATOICHI o ARAGAMI de Ryuhei Kitamura. Mientras que el ZATOICHI de Takeshi se une a otros ejemplos del género jidai-geki (drama histórico) como WHEN THE LAST SWORD IS DRAWN (Mibugishiden, 2003) de Yojiro Takita, SAMURAI TWILIGHT (Tasogare Seibei, 2002) de Yoji Yamada, VENGEANCE FOR SALE, también conocida como VENGEANCE IS SUCH A GREAT BUSINESS (Sukedachiya Sukeroku, 2001) de Kihachi Okamoto, DORA HEITA (2000) de Kon Ichikawa y OWL'S CASTLE (Fukuro no Shiro, 1999) de Masahiro Shinoda; Ryuhei Kitamura, junto con Hiroyuki Nakano (SAMURAI FICTION [1998] y RED SHADOW [2001]) y Shinsuke Sato (PRINCESS BLADE [Shurayuki-Hime, 2001, que no es otra que una adaptación de la clásica serie del mismo título, conocida en occidente como LADY SNOWBLOOD [1973] protagonizada por Meiko Kaji, en la que se basa el personaje de Lucy Liu en Kill Bill, y escrita por Kazuo Koike [Crying Freeman y Lone Wolf and his Cub]) han revitalizado de alguna manera el subgénero chambara con una estética de video-clip. Los filmes americanos The Last Samurai y Kill Bill no han hecho más que confirmar este nuevo interés por el cine de samurais. Quizá, después de todo, el cine japonés sí esté experimentando un renacimiento.

Fuentes